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먼저 음악 한 곡을 작곡하는 데 들어가는 노력과 창의성에 잠시 감사해 봅시다. 인정하든 그렇지 않든, 우리 대부분은 살면서 한 번쯤 자신만의 취향과 해석을 담은 곡을 혼자 힘으로 만들고 싶다고 생각해 본 적이 있습니다. 여러분 중 일부는 직업상 음악 제작에 성공적으로 참여하고 있지만, 나머지는 아직 여정을 시작할 뚜렷한 방향을 찾고 있습니다. 후자에 해당한다면, 완전한 기초부터 음악 작곡을 배우는 방법을 소개합니다.
무엇보다 훌륭한 음악을 만들려면 음악의 모든 요소를 익히고, 작곡에서 중요한 역할을 하는 섬세한 디테일까지 하나하나 주의를 기울여야 합니다. 음악은 삶의 진정한 본질입니다. 언어로 마음속 깊은 감정을 전할 수 없을 때, 음악이 그 역할을 합니다. 음악은 본질적으로 내밀하고 주관적이기에, 이를 만드는 사람만의 독특한 개성과 성격을 고스란히 담아야 합니다. 바로 이것이 작곡가 한 사람 한 사람을 특별하게 만듭니다. 영감의 원천과 생각은 동시대 작곡가들과 뚜렷이 다르며, 그 차이 속에 진정한 정수가 깃들어 있습니다.
기초 기술
저희는 음악 경험과 관계없이 모든 예비 작곡가가 적어도 한 가지 악기의 기본기를 익혀야 한다고 생각합니다. 악기를 잘 이해하면 음을 수정하고 템포를 바꾸는 일도 식은 죽 먹기가 되기 때문입니다. 좋은 음악을 만드는 핵심은 즉흥 연주이며, 여기에 편곡과 음악 프로덕션이 더해져야 독보적인 멜로디가 탄생합니다. 전 세계 음악 애호가들이 모차르트를 역사상 가장 위대한 작곡가로 꼽는 데는 그럴 만한 이유가 있습니다. 그에게 좋은 음악을 작곡하는 토대는 악기에서 펼치는 즉흥 연주를 원곡과 엮는 것이었습니다. 즉흥 연주를 많이 할수록 곡은 더 좋아집니다. 하지만 그러려면 자신이 연주하는 악기를 제대로 알아야 합니다.
청음과 기억력
‘귀벌레(earworm)’란 노래나 멜로디가 오랫동안 머릿속을 맴돌며, 아무리 떨쳐내려 해도 좀처럼 사라지지 않는 현상을 말합니다. 하지만 뛰어난 작곡가들에 따르면, 실제로 음악이 나오지 않는데도 머릿속에서 선명하게 들을 수 있다면 내청 능력이 잘 발달한 것입니다. 내청은 작곡가와 연주자 모두에게 효과적인 도구가 됩니다. 먼저 곡을 즉흥적으로 구상한 뒤 악기로 연주해 보면서 머릿속에서 들은 음악과 일치하는지 확인할 수 있기 때문입니다. 또한 도, 레, 미, 파, 솔, 라, 시의 계이름을 활용해 머릿속 음악을 소리 내어 표현해 볼 수도 있습니다. 자신에게 가장 잘 맞는 방법을 찾았다면 이를 악보에 적고 다듬기 시작하세요.
화성과 리듬
음악의 화음을 이야기할 때, 음악은 화음 없이도 존재할 수 있다는 사실을 빼놓을 수 없습니다. 이러한 형태를 모노포니라고 하며, 하나의 단일한 소리로만 이루어집니다. 반면 다른 화음이 첫 화음에 앞서 등장하고 곡 전체에서 그에 대응하면, 이러한 구성을 폴리포니라고 합니다. 몇몇 전통 음악과 클래식 음악을 제외하면 오늘날 우리가 듣는 음악은 대부분 폴리포니로 이루어져 있습니다. 곡의 다채로움이 바로 여기에서 나오기 때문입니다. 단순한 베이스 라인도 화음으로 분류된다는 점을 잊지 마세요. 따라서 모노포니에 베이스 라인을 더하면 폴리포니로 바뀝니다. 세상의 모든 체계가 그렇듯 음악도 하나의 중심점을 축으로 움직입니다. 모든 화음은 이 중심점으로 흘러들어 하나로 합쳐집니다. 창작물을 온전한 하나의 작품으로 완성하려면, 아무리 서로 다른 코드라도 모두 그 중심을 향해야 합니다.
코드 편곡의 가장 큰 매력은 정해진 규칙이 없다는 점입니다. 반드시 따라야 할 제한된 방식도, 전형적인 진행도 없습니다. 바로 이 지점에서 작곡가로서 창의력과 음악적 이해를 마음껏 발휘할 수 있습니다. 어떤 코드로 시작해 무엇이든 이어 붙이고, 어느 지점에서든 끝낼 수 있습니다. 다만 코드 진행을 만들 때는 프레이징과 형식이 적절하게 반영되었는지 확인하세요.
코드, 스케일 및 멜로디
음표 역시 코드와 마찬가지로 무한한 창의성을 펼칠 수 있습니다. 다만 음표들은 어떤 식으로든 서로 연결되어야 하며, 그렇지 않으면 곡이 지나치게 어색하게 들릴 수 있습니다. 그래서 처음에는 완전히 새로운 곡을 만드는 데 집중하기보다 기존 곡을 바탕으로 즉흥 연주해 보길 권합니다. 그래도 독창적인 곡을 만들고 싶다면, 저희가 함께하겠습니다! 멜로디는 무엇보다 곡의 흐름입니다. 높고 낮은 음과 그 사이의 모든 음이 어우러져 멜로디를 이룹니다. 멜로디의 진행은 반음이나 온음 단위로 움직이거나 도약할 수 있습니다. 도약은 리듬에 따라 음정의 폭이 좁거나 넓을 수 있습니다. 또한 모든 멜로디 음은 그 순간 함께 울리는 코드, 즉 현재의 조성을 향해 자연스럽게 이끌린다는 점을 기억하세요.
각 멜로디 음의 길이는 주로 음의 밀도를 조절하는 역할을 합니다. 어떤 음은 목표음을 향해 각 단계를 짧게 짚으며 진행하고, 다른 음은 더 길게 지속되는데 이를 목표음이라고도 합니다.
음악 형식
형식을 구상하는 일은 결국 음악 작곡에서 가장 흥미로운 부분이 될 수 있습니다. 이에 대해 좀 더 자세히 살펴보겠습니다. 일반적인 정의와 달리, 음악의 형식은 벌스, 섹션, 간주, 연, 후렴, 인트로, 아웃트로 등 곡을 이루는 개별 부분을 뜻합니다. 즉, 곡이 길수록 섹션도 더 많아집니다. 또한 곡 전체에서 어떤 섹션도 반복되지 않는다면 이를 ‘통작 형식(through-composed)’이라고 합니다. 하지만 모두 알다시피 한 곡에 서로 다른 섹션만을 만드는 경우는 드물며, 대개 핵심 주제를 강조하기 위해 섹션을 반복합니다.
열정적인 음악 애호가인 우리가 음악계에 보답하는 가장 좋은 방법은 직접 곡을 만드는 것입니다. 이제 작곡의 모든 기본 단계를 익혔으니, 악기와 노트를 챙겨 과감히 시작해 보세요. 그 여정이 어디로 이어질지 직접 확인해 보세요!
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